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FESTIVAL |
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Bullshit Mex Muestra de procesos de investigación-creación en artes vivas
Bullshit Mex es una muestra de piezas escénicas de artistas iberoamericanos que busca el encuentro e intercambio de saberes relacionados con los procesos de investigación y creación de las artes vivas. Las obras que se presentarán a lo largo de cinco días en el Museo Universitario del Chopo tienen un carácter multidisciplinario en tanto incorporan elementos del performance, la danza, el teatro y la música, lenguajes englobados en el concepto de artes vivas.
Un total de 20 creadores de España, Uruguay, Brasil, Chile y México presentan al público 18 piezas. El espíritu que reúne a duplas de artistas y a artistas individuales en esta muestra es la reflexión en torno de la mutabilidad de los procesos creativos, la persistencia en la experimentación y el interés en establecer vínculos entre la comunidad de artistas.
Bullshit Mex también incluirá charlas con los artistas y conversatorios con especialistas en torno a cada una de las obras, y su labor creativa, convocadas en esta muestra.
Esta primera edición en México es una continuación de Bullshit Fest, llevado a cabo en España con el propósito de presentar los procesos de investigación en artes vivas, realizados por los estudiantes del Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual de la Universidad de Castilla La Mancha, generación 2015-2016, el cual se llevó a cabo en el Teatro Pradillo de Madrid en 2016.
Dicho festival contribuyó a expandir los contextos de colaboración, debate y pensamiento, además de generar encuentros que iniciaron un intercambio de visiones y saberes en el ámbito artístico, así como el establecimiento de redes de cooperación entre la comunidad local y los participantes internacionales.
23 a 27 de agosto de 2017
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| Artistas y piezas participantes
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| 23 de agosto
Al final de los brazos están las manos, al final de los dedos nosotras estamos
18:00 hrs. Galería Underground Conversación: habitación o morada Conversar, conversar para que en el “entre” se produzca algo Generar un espacio donde convivir desde el afecto Darnos el tiempo Darse el tiempo para recuperar el espacio para el disfrute, y también para la confrontación, porque conversar es confrontar, porque encuentro es herida Jugar a las correspondencias para resignificarnos, pero todo el rato Hacer para nada Divagar para estar juntas Conversar un espacio y darnos el tiempo Generar el “entre” y confrontar Revisitar el disfrute donde convivir desde el afecto Dejar la herida abierta Jugar, jugar, jugar Correspondencias pero todo el rato, para resignificarnos, para nada, para estar juntas
Laura Ramírez (1988). Es parte del colectivo Twins Experiment y coordinadora del Laboratorio de Movimiento Mov Lab en Madrid, el cual investiga la construcción de prácticas grupales a través del movimiento y el cuerpo.
Es parte de Labo 18h, proyecto francés de investigación delas prácticas grupales y su aplicación en las artes vivas. Ha colaborado con la coreógrafa Aitana Cordero y con Lucas Condró.
Fue integrante del Laboratorio de Creación Los trabajos del amor, de Claudia Faci, en el marco del Festival El lugar sin límites, realizado en el Teatro Pradillo/CDN.
Fue parte del proyecto Unfaithful Replica, de Xavier Le Roy y Scarlet Yu, realizado en el CA2M en Madrid. Su proyecto más próximo esYABBA, de María Jeréz.
Es egresada en Teatro Físico de la Real Escuela Superior de Arte Dramático, en Madrid. Cuenta con estudios en danza y coreografía con Aitana Cordero, Paz Rojo, Bruno Listopad, Katie Duck, Deufert and Plischke y Elena Córdoba.
Ainhoa Hernández (1989). Ha colaborado con los colectivos Play Dramaturgia y Los Bárbaros; es parte del colectivo Twins Experiment. Formó parte del Laboratorio de Movimiento y Prácticas Grupales Mov Lab y del Laboratorio de Creación Los trabajos del amor, de Claudia Faci, en el marco del Festival El lugar sin límites en el Teatro Pradillo/CDN.
Fue parte del proyecto Unfaithful Replica, de Xavier Le Roy y Scarlet Yu, realizado en el CA2M Madrid. Próximamente colaborará en la pieza YABBA de María Jeréz.
Fue coordinadora de un proyecto de rehabilitación del Teatro Cervantes en Tánger. Gestiona iniciativas curatoriales con Andrea Rodrigo y Elena Zacagnini. Cuenta con estudios en teatro físico (técnica Lecoq), en danza y coreografía. Estudió filosofía en la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED); y realizó el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en ARTEA-UCLM-Museo Nacional Reina Sofía.
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Twins Experiment [Laura Ramírez y Ainhoa Hernández (España)] |
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VIDEOCLIP
19:00 hrs. Foro del Dinosaurio
“Si ese espacio es algo, es energía y fisicalidad, Lou Reed sobre Metal Machine Music VIDEOCLIP es una investigación coreográfica que toma elementos del cine estructural y de los videoclips para proponer un espacio de contemplación y experimentación sensorial que es activado por dos performers en vivo a través del sonido, la imagen proyectada y sus cuerpos.
Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
Magdalena Leite es coreógrafa y bailarina; Aníbal Conde es artista en video y performer. Trabajaron juntos en la pieza DANCE DANCE DANCE en 2013 como parte del proyecto PULPO del Colectivo AM. Colaboran en proyectos enfocados en la relación imagen-cuerpo. Su obra se ha presentado en América Latina, Estados Unidos y Europa.
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Magdalena Leite-Anibal Conde (Uruguay – México) |
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Imagen.archivo
20:00 hrs. Galería Underground
Performance que surge de una experiencia personal hiperbolizada y ficcionada que reúne un proceso experimental. Trabaja a manera de satélite alrededor de la hipersexualización e hiperexposición del sujeto a través de la incorporación de diferentes técnicas de ficción como la creación del alter ego, el disfraz, la pantomima, o el trabajo virtual. Una suerte de concierto-ceremonia músico-cibernética. Un poema visual que es simultáneamente una webcam live show relatado.
Cachorro Lozano (1993). Estudió la Licenciatura en Arte en la Universidad Euskal Herriko Unibertsitatea, con especialidad en fotografía y performance. Realizó el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, así como una estancia artística en París con la artista cubana Tania Brugera.
Sus planteamientos artísticos están basados en el tema de la construcción de identidad en Europa durante el siglo XXI. Trabaja constantemente en la revisión de la sexualidad, el género y su relación con la cultura capitalista y las políticas liberales, a través de lo audiovisual, performativo y textual.
El archivo se ha perfilado como una metodología de obsesión exponencial que lo conduce a crear obras seriadas, donde surge lo que se puede considerar como “metaobras”, marañas o fractales de proyectos que se engarzan unos a otros.
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Cachorro Lozano (España)
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24 de agosto
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Esta pieza no es para mi madre
18:00 hrs. Foro del Dinosaurio
¿Qué habita ahora en ese espacio de memoria que he olvidado?
Bailar para recordar, el cuerpo archivo, el cuerpo que comunica con el cuerpo, el cuerpo que escribe y lee con el cuerpo, la memoria muscular, el espectador como archivo, el espectador que baila con su intelecto y que acompaña la escena, la escena “sin butacas y sin escenario”.
Entonces… bailar, danzar, mover.
Emmanuel Pacheco (1986).Coreógrafo y bailarín. Estudió la Licenciatura en Artes en la Universidad de Sonora en 2005. Recibió mención honorífica en el Concurso Regional de Coreografía Contemporánea por la pieza Haima, en 2009; así como el premio a mejor coreografía por l.u.v., en el mismo concurso en 2010.
Fue integrante de Producciones La Lágrima en 2007, dirigida por Adriana Castaños; y docente de la Licenciatura en Artes Escénicas en la Universidad de Sonora. Presentó Numb, un work in progress, en Lucy Guerin Inc., en Melbourne, Australia, en 2012. Fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en la categoría Jóvenes Creadores en 2012-2013. Participó como coreógrafo invitado en Plataforma In 2013 como parte de Camp In, evento anual que reúne a creadores escénicos. Es miembro fundador y director del Colectivo Viso, organizadores de Viso Out Festival. Realizó el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en la Universidad Castilla La Mancha, en España.
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Emmanuel Pacheco (México)
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Movimientos ascéticos imposibles_acción 5
19:00 hrs.
Una serie de performances y una acción escénica. Un cuerpo y diversos obstáculos. Repeticiones que cambian el instante presente. Movimientos como pasaje de la potencia al acto, como cambio o alteración de una naturaleza. El movimiento como variaciones entre pensamiento y acción, arte y vida. El desplazamiento constante de mi propia naturaleza.
Ascéticos, una ascese no sólo como mortificación, en su sentido más restricto, como un conjunto de ejercicios para reconocerse y rehacerse a sí misma. Encontrar prácticas y dispositivos poéticos, en el contexto diario, escénico y/o performático, para mantenerse en el eterno “cultivo de si”.
Imposibles: imposibilidad como una utopía, una reconstrucción que implica el fracaso constante. Todo aquello que no logró llegar nunca pues que no existe fuera de ahí, de la propia pulsión de vida.
Janaina Carrer (1984). Performer y bailarina. Cursó una parte del Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual en la Universidad de Castilla La Mancha en Madrid; y la Maestría en Artes Escénicas por la Unicamp, Sao Paulo, Brasil.
Desarrolla su trabajo entre el performance, el video y la danza. Está interesada especialmente en las conexiones cuerpo-mente y arte-vida, y en procesos creativos. Fue invitada al Segundo CCBB Música y Performance del Centro Cultural Banco do Brasil; y artista residente en Nuvem, Estación Rural de Arte y Tecnología (Río de Janeiro).
Sus piezas de video-performance han sido presentadas en la II Bienal Perfor Art Net en Bogotá y Bucaramanga, Colombia; Encuentro Nacional de Performance, en Pachuca, Hidalgo; Torino Performance Art, en Italia; La presencia y lo efímero, en Querétaro, México; Cuerpo en Punto, en Argentina: Now and After International Video Art Festival en Moscú, Rusia. Actualmente es parte de La Plataformance, estación de trabajo en performance (Sao Paulo). |
Janaina Carrer (Brasil, residente en España)
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Eso que vi
20:00 hrs. Foro del Dinosaurio
Pieza escénica producto de una investigación y reflexión acerca de la televisión mexicana y su influencia en el individuo, particularmente en su comportamiento e imagen. El artista explica que creció en una generación donde la televisión dictaba la imaginación y el estereotipo del mexicano.
Estanislao Barrientos es el personaje central de la pieza escénica; mediante diversas estrategias se reconfigura su cuerpo que está invadido por diversas imágenes y sonidos.
Manuel Parra (1981). Estudió el Diplomado en Actuación en la Secretaría de Cultura de Jalisco, así como producción y dirección escénica en el Centro de las Artes de San Luis Potosí. Está interesado en la actuación y la dramaturgia.
Colaboró con los colectivos Inverso y A la deriva teatro. Ha participado en la Muestra Nacional de Teatro (ediciones 2009 y 2010); Festival Otras Latitudes (2010); Festival Reposiciones (2011); Encuentro Telecápita (2013); Encuentro de Teatro Caín (2011-2015); Feria Internacional del Libro (2009); y Encuentro MET en Guadalajara 2014-2015. Colaboró con el Instituto de Artes de California Calarts y con la Universidad de Guadalajara; participó en el Festival de Otoño a Primavera en Madrid y en el Kunstenfestivaldesarts en Bruselas, con la compañía mexicana Lagartijas Tiradas al Sol.
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Manuel Parra García (México, residente en España) |
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25 agosto
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Ensayos para el fin del mundo. Ensayo no. 1. Después del fin
18:00 hrs. Foro del Dinosaurio
Las señales son cada día más claras: se puede percibir en la desaparición de las florestas, en una civilización asesinada a sangre fría, en nuestra respiración jadeante, en la muerte de una lengua, en el calor del invierno pasado. ¿Y si el fin llega antes de lo que esperamos? El fin del mundo es realmente el fin del otro. ¿Quién dijo eso? Una estudiante de doctorado en literatura escribe un ensayo sobre el fin del mundo, mientras intenta lidiar con la muerte reciente de un amigo cercano. Todo lo que tiene es su voz grabada en un mensaje que nunca contestó.
El ensayo Después del fin forma parte de una trilogía teatral compuesta por monólogos performativos con distintos puntos de vista sobre este tema creados por la Compañía A Ursa de Araque (Brasil).
Ana Luiza Fortes (1986). Actriz de formación, interesada en distintos lenguajes artísticos. Integrante y cofundadora de la Compañía A ursa de araque (Brasil) y del Colectivo Piscina. Realizó un Máster en Teatro que estudió en su país. Cuenta con estudios en fotografía y danza clásica hindú en Buenos Aires, Argentina. Actualmente estudia el doctorado en España.
Algunos de sus principales trabajos en teatro son: O segundo inverno (2015); Sem horas (2014); Um certo tipo de abalo irremediável do espírito (2014); À distância - Lado A e Lado B (2013); Anti- Nelson Rodrigues (2012); Guardachuva (2010); Medo de morrer longe de ti (2010); Womeńs (2009); y Acordes, uma canção (2002), con las cuales se presentó en Brasil, Cuba, Argentina y Perú.
André Felipe. Miembro y co-fundador de la Cia. A ursa de araque, de Florianópolis. Dramaturgo, actor y director teatral. Maestro en Dramaturgia por el Instituto Universitario Nacional del Arte – IUNA (Buenos Aires). Escribió las obras Suéter naranja en día de luto y No siempre, publicadas por la Editorial UFSC (Premio Rogério Sganzerla 2012); la obra Midori, premiada por Seleção Brasil em Cena CCBB 2013; escribió y dirigió À distância – Lado A e Lado B, proyecto subsidiado por el Premio Myriam Muniz de Teatro 2012. Tiene formación complementaria en guión para series de televisión en la Universidad de California, Los Ángeles. Se desempeña como profesor de dramaturgia en diversas ciudades de Brasil.
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Ana Luiza Fortes (Brasil)
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Cosas que suceden en México que no pueden ser dichas en México
18:30 hrs. Galería Underground
Cada día desaparecen 17 personas en México. Cada 90 minutos familiares y amigos buscan a un ser querido. Cada 3 horas y veinticinco minutos desaparece una mujer. En el estado de México el 53% de los desaparecidos tiene menos de 17 años. Muchos desaparecen a plena luz del día y delante de otra gente. ¿Cuánto dinero cuesta desparecer una persona? Me interesa el lugar del testigo, el lugar incómodo del silencio, de las preguntas y de la paralización.
Magdalena Brezzo (1970). Nació en Montevideo en plena dictadura. Estudió escultura y desde allí llegó a la coreografía. Desde hace 20 años vive en México. Fundó la compañía Camerino 4, cuyo eje de trabajo es el cuerpo y el lenguaje de movimiento. Una nueva traslación la llevó a investigar los bordes del lenguaje, su plasticidad y el cuerpo como ser político. La artista es hoy interpelada por la comunidad y el lugar del otro. Es Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.
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Magdalena Brezzo (México)
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Erosión
19:30 hrs. Foro del Dinosaurio
Del lat. erosio, -ōnis 'roedura' 1.f.Desgaste o destrucción producidos en la superficie de un cuerpo por la fricción continua o violenta de otro.
La pieza muestra en escena cuerpos movilizados por un incesante gesto que se repite hasta el agotamiento. Son cuerpos invadidos por un deseo irrefrenable y vacío. A veces llano, a veces a sobresaltos, pero en general sin que pase mucho, casi nada.
Luis Alberto Moreno Zamorano. Intérprete, creador y docente. Actor egresado de la Escuela Teatro Imagen. Estudió la Licenciatura en Teatro en el programa especial de titulación de la Universidad Bolivariana.
Actualmente reside en Madrid, becado por el Fondo Nacional de la Cultura y la Artes para cursar el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad Castilla La Mancha en colaboración con Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y ARTEA.
Impartió el taller El infinito devenir del cuerpo, en diversos espacios culturales. Ha sido profesor en el área de movimiento en las escuelas de teatro de la Universidad de Valparaíso, Teatro Imagen y Universidad de las Américas. Fue integrante del colectivo de arte La Vitrina. Es co-creador de la pieza Algunos mitos sobre el cuerpo y otras siutiquerías, pieza con la que ha participado en los festivales StgoOff, Vertientes, Danza en Emergencia, Findantz en Stgo y Regiones. Ha colaborado con Pablo Zamorano en las obras Deuday Crónicas.
Fue asistente de dirección en Suite, de Georgia del Campo; y actor en La imaginación del futuro, de la compañía La Resentida, con la que realizó gira en Europa y Asia en 2015. Actualmente es docente en las escuelas deTeatro Imagen, en Santiago de Chile, y en La Universidad de Valparaíso.
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Luis Alberto Moreno Zamorano (Chile, residente en España) |
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Masa madre y sal marina
20:30 hrs. Foro del Dinosaurio
Pieza escénica que surgió en una residencia artística que compartieron los creadores, en la que realizaron la investigación y escritura de una obra a partir de una metodología de colaboración horizontal. Indagaron en las formas, estilos y estructuras dramáticas en la escena iberoamericana. La obra cuenta con un lenguaje contemporáneo, crítico e irónico.
Cristina Balboa y Manuel Parra García están interesados en desarrollar temas relativos a la migración y cosmogonía, relacionados con lo cotidiano y la identidad. Trabajan técnicas de escritura y composición colectiva que fomentan el diálogo y la discusión. El propósito es investigar y generar una dramaturgia contemporánea donde el texto ocupe un lugar fundamental en su discurso artístico.
Cristina Balboa (1979).Artista escénica y video-realizadora gallega cuyo motor es la materialización escénica del absurdo cotidiano en la búsqueda de un diálogo generacional, donde la palabra ocupa un eje central de su propuesta artística.
Dirige desde 2012 la Cía de creación colectiva Funboa Escénica, donde ha producido las piezas Oiseau Rebelle con Paulina Funes (2011), Sigue Buscando y Anoter Espectacle con Estevo Azañón (2013) y Sushi Gratis con Lúa Gándara (2015). Como intérprete ha colaborado con la Cía D2 en los espectáculos Queremos Bailar (2009) y Las verdades duelen (2010). Actualmente trabaja con Manuel Parra García en un nuevo vivero de proyectos artísticos, Proxecto Pank, y su primera propuesta será presentada en el Bullshit Mex, Masa madre y Sal marina.
Manuel Parra (1981). Estudió el Diplomado en Actuación en la Secretaría de Cultura de Jalisco, así como producción y dirección escénica en el Centro de las Artes de San Luis Potosí. Está interesado en la actuación y la dramaturgia.
Colaboró con los colectivos Inverso y A la deriva teatro. Ha participado en la Muestra Nacional de Teatro (ediciones 2009 y 2010); Festival Otras Latitudes (2010); Festival Reposiciones (2011); Encuentro Telecápita (2013); Encuentro de Teatro Caín (2011-2015); Feria Internacional del Libro (2009); y Encuentro MET en Guadalajara 2014-2015. Colaboró con el Instituto de Artes de California Calarts y con la Universidad de Guadalajara; participó en el Festival de Otoño a Primavera en Madrid y en el Kunstenfestivaldesarts en Bruselas, con la compañía mexicana Lagartijas Tiradas al Sol.
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Cristina Balboa (España) y Manuel Parra García (México)
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26 de agosto |
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Experiments for a non submissive body
18:00 hrs. Galería Underground
Proyecto que investiga la relación entre el arte y la política, tomando como punto de inicio las imágenes y discursos difundidos por los medios de comunicación. Más que la creación de una obra única, Tulio Rosa realiza un trabajo que se compone de experimentos variados que están en constante mutación y la unión del lenguaje audiovisual con prácticas performativas y de escritura.
En las calles de Sao Paulo, producido por las bombas de la policía militar, o en los márgenes de la guerra en Siria, el humo es la señal de alerta que dispara este proyecto. La violencia y la destrucción que insisten en operar en la contemporaneidad exigen una postura al respecto que sea frágil e ineficiente como el propio cuerpo que la asume frente a contextos complejos.
Ahogado entre imágenes y memorias, marcado por cicatrices y cargado de indignación, ¿qué puede producir un cuerpo para escapar de la pasividad y la sumisión que le son impuestas por los contextos que habita?
Túlio Rosa (1989). Cursó el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en la Universidad Castilla La Mancha/Museo Reina Sofía (Madrid, 2016). Graduado en Danza Contemporánea por la Facultad Angel Vianna (Río de Janeiro, 2011). Es actor independiente desde 2009, interesado en procesos abiertos y colaborativos, así como en la disolución de las nociones de autoría y obra de arte.
Su obra se ha presentado en diversas ciudades de Brasil, Portugal, Argentina y Eslovenia. Colabora con Marcelo Evelin en el espectáculo Suddenly Everywhere is Black With People, presentado en más de 17 países. Actualmente investiga las conexiones posibles entre arte y política.
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Túlio Rosa (Brasil, reside en España) |
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Espacio hacedor
19:00 hrs. Foro del Dinosaurio
Pieza escénica que aborda la arquitectura más allá del ámbito de la construcción; lo hace más bien con un enfoque literario, conceptual y artístico. La performatividad de la pieza reside en la planificación y exhibición de diferentes espacios utópicos edificables durante la representación. Propone identificar, analizar y construir arquitectónicamente los posibles espacios entre un original y su copia. El interés radica en el potencial estético del espacio que se encuentra entre dos productos casi idénticos.
Espacio Hacedor es un proyecto en colaboración con el arquitecto Miguel del Amo (España).
Julián Pacomio (1986). Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Obtuvo una beca de intercambio con la Pontificia Universidad Católica de Chile. Cuenta con un Master en Práctica Escénica y Cultura Visual por Universidad de Alcalá y el Museo Reina Sofía, en colaboración con La Casa Encendida y Matadero Madrid. Realizó una residencia artística con el proyecto Espacio hacedor en La Casa Encendida y CA2M en 2016.
Otros proyectos de artes escénicas que ha realizado son The Asleep Image 1_ El mundo bajo el mudo (2017) My Turin Horse (Matadero, Madrid, 2012) y Psicosis expandida (2015), que se refieren a la copia, el remake, la traducción y la apropiación de materiales ajenos. Entre 2015 y 2017 participó en los proyectos Cuerpo y democracia, y Cuerpo, archivo y memoria, organizados por ARTEA, dentro del programa de Estudios Avanzados en Prácticas Críticas del Museo Reina Sofía.
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Julián Pacomio (España) |
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El público está aquí
20:00 hrs. Galería Underground
En esta pieza las asistentes han dejado de ser personas para ser espectadoras: ¿Son “el otro” para la escena, para el artista, o son “las otras” para sí mismas? Su función en la obra, la función del público, es también esta representación.
El lugar del público es un espacio vacío, una función espacio-tiempo neutralizada, una bisagra donde se desdoblan los sentidos. El público se cuenta en cifras, se le quiere atraer y fidelizar, tiene un día especial, es objeto de estudios, estrategias y deseos, se define su participación… y se dibuja el espacio de su experiencia: aquí.
En este ensayo de público, una espectadora propone ejercicios para dislocar su atención: a zonas invisibilizadas, a tiempos interrumpidos y a códigos desconocidos. ¿(A) dónde estamos mirando? Ejercicios sobre cómo dirigir la mirada hacia lo no señalado, o cómo acceder con ella de un modo diferente a lo aparentemente ya conocido.
Más allá de definir una posición del espectador en el mapa artístico contemporáneo, se trata de desmontar identidades para generar espacios de libertad que se relacionen con el territorio de lo posible. De mirar con el cuerpo, que distingue más de dos lados.
Sabela Mendoza Fernández (1984). Su trabajo está centrado en las artes escénicas, la danza y la cultura contemporánea; escribe sobre danza en revistas y en el blog acuerpodebaile.com. En los últimos diez años se ha dedicado al comisariado de exposiciones de literatura e ilustración.
Dirigió el Festival Ilustrotour y ha colaborado en proyectos artísticos de redes e itinerancias internacionales. Colabora, desde 2006, con el coreógrafo y bailarín Javier Martín, en proyectos de investigación relacionados con el movimiento y el lugar (y no lugar) de la danza en la actualidad.
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Sabela Mendoza Fernández (España) |
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27 de agosto
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Bordeando lo imposible. Una comunidad apasionada permanece en el intento. Siempre en el intento
17:00 hrs. Foro del Dinosaurio
Toma la silla y la sube. Con su barriga la aprieta contra la pared, en una de sus piernas la rodilla avanza, el pie va hacia atrás. En las manos: la cinta, primero colocada en la pared, atraviesa la silla y nuevamente la pared.
La pierna y la barriga siguen ahí, sostienen a la silla. Otra vez N despliega la cinta que suena. La corta. Vuelve a repetir la acción de pegar con la cinta la silla a la pared.
Ésta cae y entonces todo vuelve a comenzar. Agarra la silla y la sube...
Florencia Martinelli. Trabaja en el campo de la danza contemporánea como creadora, intérprete, gestora y docente. Su interés principal se centra en buscar, a través de la creación, posibles respuestas a las preguntas que considero relevantes en el contexto en el que vivo. Sus últimas creaciones son: Bordeando lo imposible (2016), Otra maraña insistente (2015), Maraña (2014), LCSR/ Las cosas se rompen (2013), Amorfo (2010).
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Florencia Martinelli (Uruguay) |
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Metopio Javier Martín (España)
18:30 hrs. Galería Arnold Belkin
Y los cuerpos abandonan la naturalidad y se dejan ganar por el sentido estético del ritmo.
Estreno del perfomance de danza del artista Javier Martín. Se trata de un proyecto de intervención artística basado en la improvisación de movimiento, en el que los cuerpos presentes, tanto del bailarín como del espectador, con su atención e intención, construyen y sostienen el momento. Su intención es dialogar con el entorno específico de las salas de museos, edificios históricos y arquitecturas simbólicas, enriqueciéndose de sus significados.
Javier Martín. Coreógrafo y performer. Su trabajo está enfocado en la investigación en artes del movimiento y basado en los rigores de la improvisación como principal método de creación y lenguaje escénico.
Ha presentado más de 30 piezas de su autoría como Control, El ansia, El estado crudo, El antiedipo o Symptoma, esta última en colaboración con el músico ruso Oleg Karavaichuk. Presentó la pieza La exforma, una de sus creaciones más audaces en 2016. Su trabajo como creador se refiere a un proceso de investigación de corte epistemológico.
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Javier Martín (España) |
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After
19:00 hrs. Foro del Dinosaurio
En el AFTER habitan tres sujetos subalternos en cuya práctica existe una posible fisura en la normatividad que nos gobierna. El travesti, el sex-worker y el yonqui se proponen como tres ejemplos a seguir en una narración a oscuras acompañada de audios, pequeñas acciones y juegos de luces que iluminan un camino hacia la insurrección. Durante la pieza se invita al espectador a adentrarse en el submundo donde se desdibujan los límites de lo posible y lo correcto.
Alejandría Cinque (1990). Cuenta con la Licenciatura en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual realizado en el MNCARS y coordinado por ARTEA. Su obra está centrada en la investigación artística a través del cuerpo buscando poner en crisis los límites de lo físico, lo moral y lo políticamente correcto.
Para lograr su propósito desarrolla proyectos de alto contenido crítico trabajando conceptos como revolución, erotismo, generación y desobediencia civil, procurando crear nuevas estrategias de activismo político a través de la retórica de la imagen. Ha trabajado con Bruce LaBruce, Andrés Senra, Cabello/Carceller y Elena Córdoba, entre otros. |
Alejandría Cinque (España) Foto: Jorge Mirón
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Vacas venéreas
20:30 hrs. Nuevo Foro Hilvana Puente de Alvarado 17, Cuauhtémoc Ciudad de México
El colectivo Vacas venéreas presenta la pieza Radikal Chic Cabaret, misma que es un concierto con temas autorales; una fiesta para celebrar el brillo del glitter, un ritual de diversidades, un cambio de sexo, una bandera queer, un territorio sin fronteras, un oratorio, un pasaporte a la felicidad, un colapso fiable, una lluvia de confetti, un diario de confesiones, un diario de confusiones, una histeria colectiva, una runway on fire, un sobaco teñido de rosa, una wonderland, una wonderwoman, una wonderful party.
Vacas venéreas es un colectivo artístico independiente, multicultural y multidisciplinario que surgió del encuentro de la electro brasileña Natasha Padilha; el techo mexicano Emmanuel Pacheco; y Dani Lozano. Realizan producciones caseras en diversos soportes, explorando principalmente el performance, la música electrónica y videoclips. Son considerados uno de los nuevos grupos españoles de electro-disgusting por el blog Cultura Poliganesa. |
Natasha Padilha (Brasil, residente en España)
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23 a 27 de agosto
Lo que mejor hacemos en el escenario, acción ping pong
11:00 a 19:00 hrs.
Pieza que surgió de la revisión del texto Biolóxica, adaptándolo a una acción deportiva, a la competencia con los propios haceres ociosos. En sus más recientes proyectos, Balboa ha creado una batalla en relación alo que se considera esfuerzo escénico, a la forma que aporta un buen acabado, esto sin que la artista se desprenda totalmente de su necesidad de desarrollar cierta habilidad. Memorizar un texto ya no es suficiente. ¿Cómo lo aborda si tiene otra cosa entre manos? |
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Actividad apoyada por el Programa de Internacionalización de la Cultura Española (PICE) de Acción Cultural Española (AC/E) en su modalidad de Movilidad.
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| Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes | |||||||
Agradecemos el apoyo de |
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