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FESTIVAL |
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Festival Encender un Fósforo
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Encender un Fósforo es un festival nómada independiente apoyado por distintas instituciones en el que se plantea desbordar los campos disciplinarios o medios artísticos para provocar la convivencia y la retroalimentación entre la danza, el performance, la instalación, el video, el arte sonoro y la escritura desde una perspectiva coreográfica. Su objetivo principal es convertirse en una plataforma en la que converjan obras de artistas nacionales e internacionales junto con la muestra de trabajos e investigaciones colaborativas resultantes del Diplomado ¿Cómo encender un fósforo? Prácticas de investigación. Coreografía, Danza, Performance.
Este festival es el resultado de siete meses de investigación creativa en el diplomado. Pretende enlazar espacios y agentes implicados en la producción artística, así como problematizar modos de presentación mediante el emplazamiento de las funciones en distintas sedes con características particulares. La finalidad es la discusión, retroalimentación y reflexión de prácticas que podrían ser intermediales, híbridas o que expanden nociones de campos específicos. A la vez tiene el propósito de ensayar nuevos modos de relación entre formatos de visibilidad, así como su potencial político.
Para clausurar el festival contaremos con la participación especial de la artista argentina Amalia Pica, quien realizará el performance Asamble (2015). Solomon R. Gugenheim Museum, New York, Gift, Alec Oxenford ©, una obra colaborativa en la que se indaga al círculo como forma antigua de encuentro y se intenta quienes llegan al espacio de escenificación como ciudadanos se congreguen coreográficamente para crear una asamblea.
Durante tres días, activaremos distintas propuestas performativas en diversos espacios del museo; galerías, pasillos, espacios de tránsito, con la intención de que nuestros visitantes logren una estrecha convivencia entre el espacio museístico y las artes vivas.
Las actividades en el Museo Universitario del Chopo se llevarán a cabo Entrada libre
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25 de mayo |
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Nuevo Zoologique Mexicano Rosa Landabur (Chile) 17:00 a 20:00 hrs. Patio frontal
Una reflexión escénica activa, actual y re contextualizada, inspirada en los zoológicos humanos realizados en la Exposición Universal Jardín Zoologique d’Acclimatation, en París (1881). Feria de atracciones donde exhibieron, a ojos de ciudadanos europeos, a indígenas de diversas latitudes del mundo, por ser considerados salvajes, bárbaros y exóticos. Secuestrados y encerrados en rejas contra su voluntad para la curiosidad, divertimento y perversidad de los visitantes.
Lo exótico, lo distinto, lo que nos embruja, lo diverso, lo que atrapa la mirada se expone ante el ojo del curioso, del perverso, del poderoso. Del ingenuo, del neófito, del experto, del ciudadano. Una vitrina, un zoológico, un dispositivo de poder donde un cuerpo es accionado y violentado por el que mira desde el deseo de recibir eso que solo él sabe hacer, eso que solo él sabe ser. La habilidad se concentra y se despliega, la cosmovisión de un territorio en un cuerpo, a través de su movimiento.
Intérprete: Alberto Montes |
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A partir de las 20:00 hrs. Foro del Dinosaurio
Figuras del paisaje
Pieza que busca crear un espacio de libertad, exploración y juego dentro de la cotidianidad; una oportunidad de percibir el tiempo desde la calma y la pausa para realizar una reflexión profunda e interminable. Este conjunto de exploraciones persistentes están encaminadas a indagar sobre la identidad y el origen del individuo y cómo percibe lo que le rodea: la forma, densidad y materiales de diversos objetos, lo que ocultan. Se hace énfasis en las piedras prehispánicas.
Duración: 15 minutos
(palabras)
A partir de una reflexión sobre lo inmenso del lenguaje y las ideas, se invita al espectador a ser el creador de una escena, la cual transitará entre la acción, la contemplación, el contagio de experiencias personales y del inconsciente colectivo. Esto a partir de la percepción del impacto de las palabras en el cuerpo masculino y femenino.
Duración: 18 minutos
¿Cómo se zapatea un gol?
Una reflexión acerca del futbol, el cual es uno de los deportes más significativos y arraigados en la sociedad mexicana, ya sea por tradición familiar, por un sentimiento patriótico o por gusto. Esta disciplina tiene relación directa con la construcción de comunidad. El escritor Eduardo Galeano puntualiza que el gol es el orgasmo del futbol. Esta propuesta busca analizar las posibilidades de plenitud que produce el gol en el cuerpo.
Duración: 15 minutos
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Figuras del paisaje
(palabras)
Cómo se zapatea un gol |
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| 26 de mayo | ||
Paisaje del encuentro Prácticas de estar juntxs: Itzamná Ponce; Andrea Cabrera y Alberto González (Ciudad de México); Alejandra Ibañez (Jalisco); Edith Toledo y Ámbar Luna (Chiapas).
12:00 hrs. Galería Alternativa
13:45 hrs. Escaleras del museo
17:00 hrs. Entrada principal
Pieza que se construye de cuerpos en el espacio, en un estado de pausa o movimiento mínimo, generando un paisaje que propicia un encuentro entre la mirada, la presencia y distintas temporalidades. Constelación de cuerpos presentes, de ausencias y afectos; de la materialidad de todos ellos.
Duración: 40 minutos
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Paisaje del encuentro
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Estridencia y autoconstrucción Paola Eguiluz, Iván Navarrete, Laura Martínez, Huberta Márquez y Gaber Lugo 17:00 hrs. Galería Sur
Esta reflexiona sobre las estrategias que desarrollan los habitantes de la periferia urbana de la Ciudad de México, en particular de las personas que viven en los municipios mexiquenses de Ecatepec, Nezahualcóyotl, Chimalhuacán y Chalco. A través del cuerpo y de la activación de esculturas habitables —que se presentan a modo de vestuario— se visibiliza la apropiación del espacio geográfico, la continua expansión urbana, la arquitectura sin arquitectos, los prolongados periodos de tiempo que emplea la gente en desplazarse a la ciudad, así como una logística de la mochila; en la que resulta fundamental empacar todo lo que se usará a lo largo del día antes de volver a las llamadas ciudades dormitorio. Por medio del contraste de los materiales, bolsas de plástico y láminas de metal crudas, se pretende generar un paisaje sonoro que documente los contrastes e implicaciones de habitar la periferia.
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Estridencia y autoconstrucción
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Sabi Colectivo Moho: Mariana Landgrave y Julia Barrios (Ciudad de México); 13:00 a 19:00 hrs. Galería Underground
Pieza queconsiste en realizar un tejido de manzanas a lo largo de seis semanas y continuarlo in situ a modo de instalación performática durante una hora. El tejido dejará ver el paso del tiempo en las frutas; al término habrá una diferencia entre las primeras manzanas que estarán en un estado de descomposición más avanzado al de las últimas hileras.
El tejido recuerda a la tierra y al paso del tiempo, a la condición finita del ser humano y a la belleza de la descomposición poco apreciada en la sociedad capitalista occidental. Recuerda al género pictórico del bodegón realizado por mujeres y relegado en la historia del arte. Un género que dialoga con la materialidad de la naturaleza, con la vida y la muerte.
Duración: seis semanas y una hora
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Sabi
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A-Ser Yessica Díaz (Jalisco); Engelbert Ortega y Leticia Cordero (Ciudad de México) 18:00 hrs. Foro del Dinosaurio
Práctica que explora la materialidad de los cuerpos mediante un proceso de amasado, el cual los visibiliza en constante transformación. Un ejercicio de presencia por medio de la acción.
Duración: 60 minutos
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A-Ser |
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| 27 de mayo |
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Ensayos Fakeclóricos Patrick Trigoso; Carmen Maya; Alberto Montes y Rolando de Namzug (Ciudad de México); y Rosa Landabur (Chile) 13:00 hrs. Foro del Dinosaurio
Dispositivo escénico que cuestiona los conceptos de identidad, nación y danza folklórica como proyecto nacional a partir de la técnica del zapateado. Esta reflexión sucederá en el campo de batalla en cuestión: la tarima para zapatear, los ritmos y la música.
Duración: 45 minutos
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Ensayos Fakeclóricos
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*Asamble Amalia Pica (Argentina/Reino Unido) 14:00 hrs. Galería Underground e inmediaciones del museo
Performance participativo donde un grupo heterogéneo de personas intenta integrar una asamblea -a través de la exploración del círculo como forma de reunión- que no se concreta. La acción invita a reflexionar sobre el ejercicio de la ciudadanía en democracia y las maneras de organizarnos.
Amalia Pica desarrolla en sus trabajos una investigación constante sobre la comunicación y sus fallos en nuestro tiempo. Su obsesión radica en indagar los modos en que transmitimos nuestras ideas y nos relacionamos a partir de ellas; en otras palabras, está interesada en modos de vida compartida.
Centrada en dicha línea creó este performance que evoca un intento de auto-convocarse en una asamblea circular que nunca se cierra. Los participantes formarán una fila y cargarán una silla unos metros hasta llegar a un lugar asignado en donde comenzarán a sentarse uno por uno formando un círculo. Cuando la última persona está por sentarse la primera volverá a pararse y seleccionará otro lugar donde formar un nuevo círculo. Esto ocurrirá varias veces.
Duración aproximada: 30 minutos.
Convocatoria:
Únete a un grupo de personas que formarán una fila y cargarán una silla unos metros hasta llegar a un lugar asignado en donde comenzarán a sentarse uno por uno formando un círculo. Cuando la última persona esté por sentarse la primera volverá a pararse y seleccionará otro lugar donde formar un nuevo círculo. Esto ocurrirá varias veces.
La cita para participar es el domingo 27 de mayo de 2018 a las 13:00 hrs. en el Museo Universitario del Chopo. El performance iniciará a las 14:00 hrs. y previamente conocerás los detalles de cómo formar parte.
Si estás interesad@, regístrate antes del 25 de mayo enviando nombre completo y edad al correo: especialesvivas.chopo@gmail.com
Esta obra no será posible sin la presencia y participación activa de personas como tú. ¡Gracias por adelantado!
*Amalia Pica, Asamble (2015), performance. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Gift, Alec Oxenford, 2015 © Amalia Pica.
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Asamble, Buenos Aires, BP15. Foto: Marino Balbuena |
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Amalia Pica. En sus trabajos desarrolla una investigación constante sobre la comunicación y sus fallas en la actualidad. Su objetivo radica en indagar los modos en que el individuo transmite sus ideas y se relaciona a partir de ellas. Modos de vida compartida. Centrada en ese eje temático creó Asamble.
Rosa Landabur. Actriz profesional, directora teatral, docente y gestora cultural. Egresada de la Universidad Mayor de Chile. Estudia dirección teatral en el Centro de Investigación Teatro La Memoria. Es directora artística de la compañía Teatro La Santa. Ha dirigido las obras Madre y Macho anciano (2009); ALCÉRRECA -Tragedia en el Altiplano (2014), obra ganadora de Fondart Chile y seleccionada para representar a ese país en la Cuadrigenal de Diseño de Praga (2015).
Su búsqueda artística está centrada en el rescate de historias no oficiales de territorios periféricos, generando espacios de diálogo en torno a la historia y la construcción identitaria. Se refiere a las temáticas relacionadas con la patria, raza, sincretismo, abandono, verdad y moral. Actualmente realiza diversos proyectos artísticos y estudios escénicos en México gracias a una beca otorgada por el Ministerio de Cultura de Chile.
Jael Orea (México, 1991). Cursó el Programa Educativo Soma (2013-2015), así como Diseño de la Comunicación Visual en la Facultad de Artes y Diseño (FAD) de la UNAM (2009-2014). Realizó las residencias Soma Summer en la Ciudad de México en 2013 y Affect-Ágora Collective en Berlín en 2015.
Ha participado en las exhibiciones colectivas Develar y detonar, presentadas en el Centro de Cibeles, Madrid (2015) y en el Centro Nacional de las Artes, México (2015); así como en la muestra Taller Internacional de Investigación Artística Policiaca, en Biquini Wax (2016). Su trabajo es parte del libro Develar y detonar. Fotografía en México 2015, editado por La Hydra, Conaculta, Centro de la Imagen, Editorial RM y Fundación Televisa.
Lucía Pineda. Bailarina y coreógrafa independiente egresada del Centro de Formación Profesional para Bailarines en Danza Contemporánea Contempodanza. Su práctica artística indaga la experimentación vívida de la poesía y el movimiento corporal, con la finalidad de encontrar una vía sensible y empática viable para un formato de obra o taller dirigida a espectadores alejados del arte escénico.
Enrique Zárate. Artista escénico interesado en el desarrollo de procesos creativos a partir del movimiento corporal. Es bailarín y coreógrafo independiente egresado del Centro de Investigación Coreografía (CICO) del INBA; Instructor del método Pilates; y tallerista de la Unidad de Vinculación Artista del Centro Cultural Universitario Tlatelolco CCUT-UVA, UNAM. Desde 2007 es docente, instructor y creativo en diferentes colectivos de artes vivas.
Alberto Montes. Estudió la Licenciatura en Sociología en la UNAM; su formación artística la realizó en la Escuela Nacional de Danza Folklórica del INBA. Está interesado en la danza folklórica mexicana y su relación con la identidad nacional y la memoria; realiza una búsqueda de las potencialidades de la percusión del piso para la creación contemporánea.
Alberto González. Estudió la Licenciatura de Filosofía en la UNAM. Fue intérprete de la pieza Lo personal colectivo, de Isabelle Schad. Es cocreador de la pieza Resistencia en movimiento (2017),presentada en diversas cárceles de la ciudad de México. Es parte del Colectivo Giroscopio Danza y Filosofía que realiza el Coloquio Universitario de Danza y Filosofía.
Alejandra Ibáñez (Lima, Perú, 1988). Estudió el Diplomado en Danza en la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM) en Buenos Aires. Se desempeña como intérprete, creadora escénica, asistente de dirección, diseño de iluminación, docente y gestora de proyectos culturales comunitarios y de arquitectura. Fundó la plataforma interdisciplinaria Abordando el barrio (2013); es cocreadora de Investigaciones Compartidas. Laboratorio de Movimiento (2016). Actualmente reside en Guadalajara.
Ámbar Luna. Bailarina y coreógrafa interesada en la investigación de las artes escénicas contemporáneas, el uso de los espacios y los procesos de creación horizontales y participativos.
Ha trabajado en proyectos colaborativos y de gestión desde 2011. Es organizadora de RALLY: Danza Espontánea y directora general de Jornadas ERRANTE. Ha presentado su trabajo y realizado residencias en México, España, Alemania y Uruguay, así como en el Festival Internacional Cervantino, Encuentro de las Artes Escénicas y Territorios del Arte y MEDIARTE, entre otros.
Andrea Cabrera. Artista escénica. Bailarina en las piezas Mastication, de Myriam Gourfink; y Mandala mental, realizadaen el Museo Arte Contemporáneo (MUAC) en 2013.
Fue intérprete en XLIII A contemporary Requiem, realizado en Mission Santa Clara-Montalvo Arts Center, California. Colaboró con Martín Gubbins en la coreografía Primer soneto en velocidades: siete actos sonoros en MUAC (2016). Es cocreadora de ¿Soy tantos? (2012). Autora de los performances El fuego, Ahí donde hay voluntad hay camino y Caminata. Colaboró en Vortex, instalación escénico-ritual realizada en Xalapa, Veracruz (2014). Algunos de sus artículos sobre artes escénicas y literatura extendida han sido publicados en las revistas Frente y LLEOM. Actualmente colabora con PoeticaSonora.Mx
Edith Toledo Hernández. Estudió danza en la Universidad Autónoma de Chiapas. Ha colaborado con la Compañía de Danza Alternativa de Chiapas y con el Ballet Folklórico de la Universidad Autónoma de Chiapas.
Participó como coreógrafa y bailarina en el Sexto Encuentro Estatal de Solos y Duetos de Danza Contemporánea con las piezas Pensamientos y Los nadie; y en elEncuentro Nacional de Estudiantes de Danza Contemporánea, en Xalapa, Veracruz (2015), con la coreografía La bala. Colaboró en el proyecto Procesos en diálogo, de La Mecedora Plataforma Nómada de Artes Escénicas.
Itzamná Ponce. Artista escénica y activista. Colabora con Abigail Jara y María Pinchulef (Chile). Cursó el Diplomado Transversales/Representaciones, Teatralidades y Escrituras de lo común, de Teatro Línea de Sombra, en sus últimas dos ediciones. Realizó una residencia en Fora do Eixo, en Brasil. El texto Miss Plagio, que escribió junto a Ana Sánchez Bernal, fue publicado en la revista web Telecápita. Colaboró con La Resistencia, Las Sangres y Pulso Danza. La pieza ZONA.ñ la creó junto a Alejandra Melgoza, la cual se presentó en México, Costa Rica, Italia y Nicaragua. Es cofundadora de MAR Colectivo de Creación Escénica.
Flor Firvida Martín (Argentina). Performer, bailarina e investigadora. Estudió la Licenciatura en Composición Coreográfica en Danza Teatro en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) en Argentina. Está interesada en el cruce de disciplinas como la danza, el performance, los medios audiovisuales y el arte electrónico.
Desde 2008 investiga la intervención urbana y diversos modos de accionar en espacio público. Codirige el Festival de Experimentación Urbana Territorio Abierto. Ha gestionado diversos proyectos en torno a estas prácticas urbanas. Es codirectora de Casa Belgrado, espacio de residencias artísticas internacionales en Buenos Aires. En 2017 participó en Nepantla Residencia Expandida, encuentro internacional realizado en la ciudad de Reynosa, Tamaulipas, que abordó la violencia y las corporalidades.
Julia Barrios (Ciudad de México). Coreógrafa e intérprete. Estudió la Licenciatura en Danza en ArtEZ Institute of the Arts, en Arnhem, Países Bajos, donde también fue parte de Honours Programme: grupo de teoría e investigación. Realizó estudios en la Facultad de Arquitectura de la UNAM, los cuales influyeron en las investigaciones coreográficas OPEN CLOSE SOLO, Codified Mandarins under Clock y Materia lenta, este último en proceso.
Es cocreadora, junto con João Pinho, del proyecto Blurry Identities (2014), una investigación que analiza los conceptos de globalización y nacionalismo tomando como material creativo las danzas tradicionales y prácticas de la marcha militar.
Sus proyectos han sido apoyados en Dansatelieres (2015) Rotterdam, Países Bajos; La Portalonganoise (2016) Porto, Portugal; Bains Connective (2016) Bruselas, Bélgica; PARTS Summer Studios (2016) Bruselas, Bélgica; y Ámsterdam Fonds voor de Kunst (2017), Países Bajos.
Ha colaborado con los coreógrafos Ula Sickle, David Webber-Krebs, Clement Layes, Reut Shemesh, Julien Bruneau y con Marcela Sánchez & Octavio Zeivy.
Mariana Landgrave (Ciudad de México). Actriz, investigadora y coreógrafa. En 2015 participó en la exposición performativa Los cuentos perdidos aparecen en México para seguir deambulando,de Sóminika Dniegocka. Ese mismo año fue becaria de la Residencia Artística La practica Relacional. Laboratorio de movimiento y su debate analítico,guiada por Nicolás Poggi por parte del Instituto Universitario Patagónico de las Artes (IUPA), en Argentina. Como estudiante, en 2016, realizó intercambio en la Universidad Veracruzana, tanto en la facultad de danza como en la de teatro, participando como actriz en el montaje Canto del matadero, de Abraham Oceransky. Actualmente forma parte del colectivo CroMagnon.
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Paola Eguiluz (Estado de México, 1986) Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Querétaro y la Maestría en Historia del Arte en la UNAM. Participó en la cocuraduría de la exposición Mapas. Proyecciones desde el Pedregal (2014), presentada en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT).
Fue asistente curatorial en el proyecto Perros mexicanos, compañeros de viaje (2014), de la Coordinación Nacional de Museos y Exposiciones del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH). Con la pieza Punto ciego (2015), ganó uno de los premios de la categoría Curadores Emergentes, en la primera edición de la Bienal de las Fronteras, realizada en Tamaulipas.
Trabajó en el equipo curatorial del proyecto La ciudad de afuera. Reflexiones en torno a las imágenes de la periferia urbana (2015), desarrollado en el MUCA Roma. En 2015 formó parte de la primera generación de la Escuela de Crítica de Arte, organizada por el Proyecto Siqueiros SAPS-La Tallera. Desde 2016 colabora con Silverio Orduña en el proyecto de investigación artística Pensar periferia.
Iván Navarrete (Ciudad de México, 1988). Realizó la licenciatura y la maestría en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño (FAD) de la UNAM. Ha desarrollado su proyecto de producción artística e investigación de posgrado sobre escultura sonora en la UNAM y en la Universidad de Barcelona (UB) en donde llevó a cabo una estancia de investigación en 2015; participó en el Grupo de Investigación en Arte y Ciencia (BR::AC), así como en el montaje de la exposición de Escultura sonora Baschet y fue parte de la orquesta de Gamelan Balines Penepam Guntur del Museo de la Música de Barcelona.
Actualmente es parte del Taller de Escultura Sonora Baschet y del Grupo Interdisciplinario de Experimentación e Investigación de Escultura Sonora GIEIES de la Facultad de Artes y Diseño (FAD). Realiza la restauración de la escultura sonora Baschet de la colección del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) en el marco de la exposición Reverberaciones: el arte y el sonido en las colecciones del MUAC.
Laura Martínez (Ciudad de México, 1985) es licenciada en Escenografía por la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBA y es egresada de la maestría en Artes Visuales de la UNAM. Realizó una residencia artística y expuso el proyecto Una mancha voraz en el Centro Cultural Manuel Benito Molier, Huesca, España (2016). Hizo una estancia de investigación en vestidos sonoros dentro del Máster de Arte Sonoro en la Universitat de Barcelona, España. En 2013 realizó la iluminación para el concierto sinfónico de Nortec Collective y la Orquesta Sinfónica de la UABC, Ensenada, Baja California. Colaboró en la instalación del stand representativo de la ENAT en el Prague Quadrennial of Performance Desing and Space (2011) en Republica Checa. Actualmente es beneficiaria del Programa Jóvenes Creadores 2017-2018 del FONCA, en la especialidad de Teatro, categoría Diseño de vestuario, con el proyecto Yo, habitando el ruido y el silencio.
Yessica Díaz. Estudió la Maestría en Artes en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM). Ha participado en diversas exposiciones internacionales en São Paulo, Madrid, Medellín, Nueva York, Massachussets y México.
Engelbert Ortega. Bailarín egresado de la Academia de la Danza Mexicana del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Ha estudiado con Tamara Cubas, Amanda Piña, Juan Domínguez, Tony Orrico, Robert Steijn, Paz Rojo, Bea Fernández, Alma Quintana, Magdalena Leite y Txalo Toloza. Ha participado en las obras Lo personal colectivo, de Isabelle Schad; Octopia, de Eduardo Navarro; y Vapor, de Eve Boneau.
Leticia Cordero. Artista interdisciplinaria y docente. Su práctica artística está centrada en una serie de condiciones, acciones y elementos que se expresan en un espacio y tiempo para que el participante experimente distintas formas de relación. Estos laboratorios y comunidades efímeras se refieren a patrones psicológicos, sociales y culturales que se transforman y cuestionan mediante la acción y la interconectividad de los cuerpos. Su trabajo se ha presentado en México, Ecuador y España.
Carmen Maya. Trabaja el performance y la imagen en movimiento. Ha colaborado con el Colectivo Come Mierda. Participó en la pieza Oraculum, del doctor Isaac Antonio Gómez, en Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) en Morelia. Ha presentado intervenciones performáticas con el uso de medios tecnológicos en el Centro Nacional de las Artes (CNA). Su trabajo en video ha sido presentado en diversos eventos como el Festival Ultracinema; Movimiento en Movimiento (Centro de Cultura Digital); Video Movimiento (Colombia); Dança em foco (Brasil); Festival Ibrida (Italia); y Oftálmica (México, Veracruz).
Patrick Trigoso. Coreógrafo y bailarín mexicano. Director del proyecto INtrigosa y Move On Collective. Recibió el segundo lugar en el Premio de la Juventud de la Ciudad de México en 2016, debido a su labor en actividades culturales y artísticas. Obtuvo el primer lugar del Premio a la Creación Escénica Contemporánea a nivel nacional, con la obra Tesitura de la carne.
Actualmente es beneficiario del Fondo Especial para la Cultura y las Artes del Estado de México (FOCAEM) en la categoría Joven Creador (2017-2018); fue becario de FONCA en la categoría jóvenes creadores (2015-2016). |
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